Música e outras mídias (2ª parte)

Música e cinema

Existem dezenas de músicas, ruídos, diálogos nesta junção entre som e imagem, que o cinema explorou e explora ao máximo aliando sentimentos e sensações que atingem seu objetivo: virar memória tornando-se inesquecíveis para os espectadores. Hollywood sempre soube fazer isto de forma primorosa.

É irresistível citar alguns exemplos: toda uma geração nos anos 1980 reconhecia imediatamente a respiração pesada e assustadora de Darth Vader, o vilão da série Guerra nas estrelas[1] (1977, 1980, 1983, 2005), além da música, Imperial March, atrelada ao personagem. A música tema da trilogia O poderoso chefão[2] (1972, 1974, 1990) também é inesquecível.

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Poderíamos nos perder em exemplos de sucesso, cada um dos espectadores do cinema, em todas as épocas tem suas próprias memórias, pois “cada um de nós percebe o filme-acontecimento em função das suas capacidades fisiológicas, da sua memória dos sons e de um contexto particular.” (GARDIES, 2008. p. 58). O início disto esta na criação dos primeiros projetores e na subseqüente tentativa de incorporar som às imagens em movimento.

Quando foi apresentado pelos irmãos Lumière no final do século XIX[3] o filme se resumia a algumas imagens de curta duração, sem som, somente a projeção da imagem. De acordo com Costa (2008. p. 23) a idéia que o cinema não havia sido pensado como sonoro é equivocada, pois Thomas Edison[4], entre os anos de 1880 e 1890 andava as voltas com a solução para o problema do som e da imagem, sua intenção era criar um aparelho que possibilitasse ver e, ao mesmo tempo, ouvir o que estava sendo visto.


O cinema considerado mudo, na verdade nunca foi de fato mudo. Ele não continha diálogos, mas músicos acompanhavam as projeções em alguns casos, em outros eram colocados fonógrafos junto aos cinematógrafos numa tentativa de sincronizar o som com a imagem; ruídos eram produzidos para acompanhar o desenrolar das cenas, filmes de óperas tinham os cantores dublando o filme nos bastidores.

No Brasil, o fonógrafo[5] já era conhecido desde 1878 e a partir de 1902 já começavam a ocorrer tentativas de sincronizar imagens usando fonógrafos e projetores ao mesmo tempo nas exibições. Foram várias as

tentativas de sincronização entre imagem e som, que perpassam todo o período de trinta anos posteriormente conhecido como mudo, constituem uma longa trajetória de ações mal-sucedidas, de aparentes sucessos, sempre efêmeros, até que, apenas no fim da década de 1920, o problema viesse a ser solucionado de uma vez por todas, [...]. (COSTA, 2008. p. 28)

A partir dos anos de 1920 os filmes passam as ser compostos por imagens e som, este entendido como diálogos, ruídos e música, sincronizados e editados em conjunto. A partir de maio de 1928, segundo Gardies (2008. p. 48) todas as produtoras norte-americanas param com os filmes chamados mudos e passam a produzir somente sonoros. O longa-metragem de ficção com som gravado aparece a partir de 1926 e 1927 com Don Juan e The Jazz Singer. (AUMONT; MARIE, 2009. p. 238).

A mudança para o cinema sonoro não agradou a todos, foi combatida por vários atores, críticos e interessados no assunto, mas era necessária para o sucesso do empreendimento. Ouvir o que está sendo visto aumenta a ilusão de realidade e,

O cinema sonoro tem nos dado inúmeras provas disto na representação de eventos naturais e conflitos humanos. Particularmente a clássica “cena de briga” tem cada vez mais baseado sua credibilidade no som dos golpes desferidos de parte a parte, tanto quanto ou mais do que na precisa simulação visual dos gestos. (XAVIER, 2008. p.36).

O som faz a imaginação preencher as lacunas da narrativa. “A imagem e o som veiculam duas narrativas fortemente imbricadas.” (GAUDREAULT, 2009. p. 43). As produtoras também saíram ganhando, pois com a incorporação do som na edição do filme todo e qualquer efeito sonoro, seja ele ruído, diálogo ou música passa a ser controlado pelos realizadores.

A partir daí a música começou a ser utilizada nos filmes, com a função de descrever, exprimir ou acentuar determinada cena ou personagem. Seu poder de emocionar e transmitir mensagens ao espectador, faz com que ela se torne indissociável do filme. Como falamos anteriormente, o poder de criar memórias e analogias auditivas dando sentido às imagens. “[...] no cinema narrativo-representativo, o espectador não recebe uma banda-som isolada, mas uma simultaneidade de mensagens sonoras sobrepostas que a sua percepção e a sua memória analisam relativamente à imagem e à ação, [...]” (AUMONT; MARIE, 2009. p.33).
Para falar de música no cinema, nos permitimos começar com a citação de apresentação que Tony Bechmans faz em seu livro A música do filme, ela transmite de maneira eficaz o que a música representa no cinema.

Como pensar no antológico discurso de Scarlett O’Hara em E o vento levou sem a clássica melodia do tema musical? Ou o suspense de Tubarão, sem as marcantes duas notas? A lendária cena do assassinato no chuveiro em Psicose seria a mesma sem os golpes dissonantes dos violinos? A batalha de Alexander Nevsky teria o mesmo impacto sem a música de Prokofiev? Cidade de Deus teria o mesmo ritmo alucinante sem a música? Beleza Americana teria o mesmo clima? Cinema Paradiso a mesma emoção? A Pantera cor-de-rosa teria a mesma graça?
A música de cinema carrega em si um mistério e um poder difíceis de descrever. Talvez seja o elemento do cinema mais complexo de se entender e avaliar. É impalpável. É invisível. É abstrato. É pessoal. É pura emoção. E a música, muitas vezes, passa despercebida. Mas, basta retirá-la de um filme para se notar a sua real significância. (BECHMANS, 2006. p. 15-16)

Todo filme tem o que chamamos de trilha sonora, o nome dado ao conjunto de composições utilizadas naquele determinado filme. Ela pode tanto ser composta com exclusividade para um filme como podem ser utilizadas músicas de outros compositores, de outras fontes, para isto. O certo é que cada filme, dependendo de seu objetivo, utiliza um conjunto especifico de músicas para atingir sua meta: emocionar, impactar, chocar, assustar ou realçar estas sensações que estão sendo passadas pela imagem.

A trilha sonora do filme ou música original do filme, de acordo com Bechmans (2006. p. 19) pode ser composta especialmente para este fim, neste caso, em geral, compositor e diretor trabalham juntos para criar a música certa com o tom certo para o filme ou os personagens. Em alguns casos esta parceria funciona com perfeição, em outros não.

São várias as etapas de produção de uma trilha sonora que vão da contratação do maestro à composição da música e aos acertos finais, da escolha das músicas a serem utilizadas à edição do filme e seu posterior lançamento. Algumas parcerias entre diretor e compositor fizeram tanto sucesso que renderam vários trabalhos conjuntos: George Lucas e John Williams, que também compôs para vários filmes de Steven Spielberg; Alfred Hitchcock e Bernard Herrmann; Sergio Leone e Ennio Morricone, etc. (BECHMANS, 2006. p. 33).

Entre as décadas de 1920 e 1930 os filmes de maior sucesso eram os musicais, ainda estavam sendo desenvolvidas as tecnologias para aprimoramento da gravação de filme e música, haviam iniciado-se os processos de gravação da música independente do filme. Conforme Bechmans (2006. p. 109) entre 1935 e 1950 o cinema popularizou-se em todo o mundo e teve um grande crescimento como forma de entretenimento, inclusive no Brasil. “Todo este frenesi solidificou o sistema dos estúdios de cinema e provocou uma grande evolução nas técnicas e no estilo de composição musical para a sétima arte.” (BECHMANS, 2006. p. 109).

Neste período a produção de música original para o filme ainda era pequena, eram utilizadas em sua maioria as músicas populares, como no caso dos musicais, o que ajudava a divulgar as canções e seus cantores estimulando a venda de discos nos Estados Unidos. (GOMES, 2004. p. 67). No Brasil isto também ocorria, a música popular e as estrelas do rádio eram usadas no cinema.

Nas canções dos filmes produzidos e estrelados por Mazzaropi, grandes sucessos no cinema brasileiro, a prática era contratar quem estivesse em evidência no rádio servindo de chamariz para o filme. Os cantores mostravam sua imagem ao público que, por sua vez, assimilava a voz que ouviam no rádio à imagem que viam cantando no cinema. Entre os cantores que participaram dos filmes de Mazzaropi na década de 50 e 60 destacam-se nomes já famosos no rádio: Agnaldo Rayol, Elza Soares, Tony e Cely Campello, Lana Bittencourt, Hebe Camargo, Mário Zan, entre outros. (BARSALINI, 2002. p. 53). Era a música sendo usada também como mais um atrativo para os filmes.

Neste período também se criou um sistema que é utilizado até a atualidade nos filmes, conhecido como leitmotiv é uma técnica de uso recorrente de um tema musical ao longo do filme, inspirado nas óperas de Wagner, criando as alusões que mencionamos anteriormente na associação da música com determinado personagem ou momento de um filme.

Com o aprimoramento das técnicas e a evolução das músicas, as trilhas sonoras também foram modificando, incorporando elementos dos novos ritmos que surgiam: jazz, rock e outros. Além disto, a televisão também passou a gerar suas influências. A música no cinema continua sua parceria de sucesso até hoje e é responsável tanto pela popularização da música erudita, quanto pela difusão da música popular em geral. Vários estilos são usados em trilhas sonoras, dependendo do diretor e do que ele queira passar, tanto composições originais, como músicas já consagradas ou ainda desconhecidas, em geral os cantores destas tem sua carreira alavancada com seu uso no cinema.


[1] Título original: Star Wars. Dirigido e produzido por George Lucas, trilha sonora de John Williams.
[2] Título original: The Godfather. Dirigido por Francis Ford Coppola e produzido por Albert S. Ruddy, trilha sonora de Nino Rota.
[3] O século XIX foi impulsionado pela chamada Segunda Revolução Industrial que envolveu uma série de desenvolvimentos dentro da indústria química, elétrica, de petróleo e de aço, alem da introdução de navios de aço movidos a vapor, o desenvolvimento do avião, a produção em massa de bens de consumo, o enlatamento de comidas, refrigeração mecânica e outras técnicas de preservação e a invenção do telefone eletromagnético, o que permitiu o desenvolvimento das técnicas cientificas da fotografia ao cinema.
[4] Thomas Alva Edison registrou 2.332 patentes, sendo amplamente considerado o maior inventor de todos os tempos. Inventou o fonógrafo e o cinetógrafo, a primeira câmera cinematográfica bem-sucedida, com o equipamento para mostrar os filmes que fazia. Também transformou o telefone, inventado por Antonio Meucci, em um aparelho que funcionava muito melhor. Fez o mesmo com a máquina de escrever, além de outros projetos. Foi ele quem ajudou a trazer a civilização da Era do Vapor para a Era da Eletricidade.
[5] O fonógrafo foi inventado por Thomas Edison em 1877 e foi o primeiro aparelho capaz de reproduzir sons gravados anteriormente, em cilindros de metal, papel ou cera.

Referências: 

AUMONT, J. ; MARIE, M. A análise do filme. Lisboa: Texto & Grafia, 2009.
BARSALINI, G. Mazzaropi: o Jeca do Brasil. Campinas, SP: Átomo, 2002.
BECHMANS, T. A música do filme. São Paulo: Escrituras Editora, 2006.
COSTA, F. M. da. O som no cinema brasileiro. Rio de Janeiro: 7Letras, 2008.
GARDIES, R. Compreender o cinema e as imagens. Lisboa: Texto & Grafia, 2008.
GAUDREAULT, A.; JOST, F. A narrativa cinematográfica. Brasília: Editora da Universidade de Brasília, 2009.
GOMES, T. M. Um espelho no palco: identidades sociais e massificação da cultura no teatro de revistas do anos 1920. Campinas, SP: Unicamp, 2004.
XAVIER, I. O discurso cinematográfico: opacidade e transparência. São Paulo: Paz e Terra,
2008.

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